5月3日

2011年のチャイコフスキーコンクールで準優勝したエドガー・モローは、未だ17歳のフランスのチェリストである。
自分は、2010年のヴェルビエ音楽祭で、フランス・ヘルマーソン（トルルス・モルクやアルバン・ゲルハルトが教わった）による1週間のマスタークラスを聴講していたのだが、そこで突出していたのが、当時15歳のモローである。（写真はヴェルビエの時のもの。）

その彼がチャイコンで準優勝という成功を収め、そして今年、ラ・フォル・ジュルネに参加するために来日するということを知り、大変楽しみにしていた次第である。

今年のラ・フォル・ジュルネのテーマである『ロシアの祭典』に則り、プログラムは、ラフマニノフのソナタとヴォーカリーズである。フルのリサイタルではないものの、これが彼の東京デビューということになるのだろう。

朝の10時半の開演、会場は国際フォーラムの会議室の一つである。観客は100余名だろうか、小さな会議室に、スタインウェイの中サイズのグランドピアノが据え置かれ、観客のためのパイプ椅子が半円状に並べられている。

モローが登場して、個人的には、昨年のコンクールの映像でも感じたものの、まず身体的に非常に成長していることに驚いた。ヴェルビエの時は彼は15歳で、華奢な、本物の少年であったが、背丈も手の平も大きくなり、立派な青年になっていた。

コンサートホールではないため、また、雨模様であったため、音響は如何にもデッドであるが、小さな空間で、段差もなく、モローを直近にして拝聴することができるので、あまり大きな問題ではなかった。ピアノの音は素晴らしく、伴奏者は、コンクールでモローと共に演奏していた予定演者ではなかったのだが、モローにぴったりと寄り添って、美しい演奏を披露していた。

モローは、非常に繊細な、しかし溢れんばかりの豊かな感性を持っている。彼のラフマニノフは、決して泥臭くならず、大陸のうねりのロマンチシズムというよりは、ある種の乾いた、しかし憂いのある、繊細なロマンチシズムである。
小さな会場であるために、音量は控えめであり、そのことによって、より彼の繊細な旋律が存分に活かされていた。
分かりやすい激情を安易に見せることはなく、非常によくコントロールされ、抑制された、しかし豊満な情感である。彼の若さでこのような演奏ができるとは、驚くばかりである。

何というのか、プーランクのカヴァティーナを彷彿とさせるような、瑞々しくも艶のある、粋な演奏である。やはり、フランスの青年なのである。

繊細極まるルバート、「抜く」際の一瞬の溜め、ピアニシモで浮遊するビブラート、その全てにおいて素晴らしいセンスである。シンプルに旋律を奏でるヴォーカリーズでは、彼の繊細さと抜群のセンス、抑制された情感が、輪をかけて立ちあがってくる。やはり、プーランク的抒情だ。
総じて、かつて聴いたことのないラフマニノフであった。誠に稀有な、素晴らしい弾き手である。

ヴェルビエの時と異なるのは、まずは、技術の完成度が、当時も信じ難いほど巧かったが、さらに究極までに高められていたことだ。それから何より、自分のスタイルに対する確信を得、自信に満ちていたことだ。

ヴェルビエアカデミーでは、6、7人程の生徒がマスタークラスに参加しており、一週間に渡り、毎朝一人各1時間、フランス・ヘルマーソンに教授されていた。学生は皆レベルが非常に高かったが、名教授のヘルマーソンは、モローを前にすると、俄然目が輝き、モローを教えるのが楽しくてたまらないようであった。（実際、モローの時は大抵、時間が延長され、「場所代は僕が払うから！」とヘルマーソンは笑っていた。）

モローがレッスンを受けた曲目は、ベートーベンのソナタ3番、ショスタコーヴィチのソナタ、シューマンのコンチェルト等であったが、その何れも瑞々しく、個性的で、素晴らしいものであった。ショスタコーヴィチの第3楽章の移ろいのある美しさは忘れることができない。自分は、元来は、チェロ以外のマスタークラスも聴講しようと考えていたが、モローの演奏のあまりの素晴らしさに、結局1週間、このクラスに通うことになった。
ショスタコーヴィチのソナタをモローが弾いた時、ヘルマーソンは、「この曲を、それはもう大勢の学生が弾くのを聴いて教えてきたけど、今、これまで聴いたことのない沢山のものが聴こえてきたよ。凄く嬉しいよ。」と、モローの才能の豊かさに感動していることを隠さなかった。ヘルマーソンのような名教授には、僅か15歳の少年であっても、その豊かな感性の萌芽は、聴き逃しようもない、顕著なものだったのであろう。

あれから僅か2年で、17歳にして、これほどまでに個性を極め、完成されているのだから、これから一体如何ほどに素晴らしい弾き手なるだろうか。心から楽しみである。

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3rd May


During my stay in Verbier in 2010, I was attending the master class by Frans Helmerson, in which I encountered this amazing young cellist with so much talent, and it was Edgar Moreau, then 15 years old, from France.

Last year he won the second prize at the Tchaikovsky Competition and this year comes to Tokyo to join the La Folle Journée au Japon, to which I've been looking forward.

La Folle Journée au Japon is a musical festival held in Tokyo, which was originally created by René Martin in the port town of Nantes in northwestern France, and stretched to Japan in 2005.   Each year they hold 300 or more concerts and related programs focused on a theme they choose(the Russian music this year) from the morning till late at the night.  One striking feature of this festival is that each concert is approximately 45 minutes long and visitors can drop in on the events of their choosing from morning to night. (See the official website: http://www.lfj.jp/lfj_2012e/?id=header)

Moreau's programme includes Rachmaninov's sonata and Vocalise.  Even though it's not a full recital, but still, I presume this is the debut performance of Edgar Moreau.

The venue was a small conference room at the International Forum, with seats for probably just around a hundred audiences.
It's not a purpose built concert hall, and also it was raining, the acoustic was not good, but with Moreau sitting just in front of the audience so closely in a small room, it was not at all a problem.

When he stepped into the room I was rather surprised how he has physically grown up.  And when he started playing, I was more amazed by how the character he's got has been developed and enhanced, as well as how he was even more technically flawless.  He is now with more conviction, knowing what he wants to do.

He is such a sensitive, wonderful and unique player with a colourful sensibility.  His Rachmaninov is something very different, from the ones I've heard so far.  It's got rather, nicely intelligent and chic romanticism, instead of the Russian epic earthy one.   His interpretation is so well controlled and intelligent but at the same time underneath the style his emotions and sensibility come out beautifully.

It sort of reminded me of the beauty of Cavatine from Poulenc's sonata.

The way he played with rubato, and eased up with the bow with subtlety, and played bivrato pianissimo so beautifully, showed how his sense and feelings for the music are amazing and unlike anything else.

Even back in Verbier, when he was still 15, it was striking that he's got so much talent (and for which great professor Frans Helmerson didn't conceal his admiration), but in just two years he has developed and established his unique character in such an amazing way, and now he is already a perfected artist.

It'll be a great pleasure to follow his career as a cellist and I just can't wait to listen to him again.

久々の更新である。演奏会には細々と足を運んでいるものの、諸事情で文章を書けないでいた。言い訳としては、今年の秋に渡英する予定であるため、いろいろと準備が積み重なっている。研究の関係で4~5年ほどロンドンに滞在する予定である。ロンドンは音楽的天国なので、その点は非常に嬉しく、音楽会のリストをウェブサイト等で眺めては小躍りしている。あちらでもでき得る限り、演奏会の感想等々を書くつもりである。

3月1日

今年もスコダのリサイタルに行った。今回はオールシューベルトプロである。
演目は、
楽興の時、さすらい人幻想曲、アッフェンブルク舞曲、最後のソナタD960。

D960は昨年のリサイタルでの演奏を拝聴しており、震えるような感銘を受けたことが未だ記憶に新しい。

今日は、冒頭の「楽興の時」から、スコダ自身の気持ちがしっかり入り、うまく表現できている印象があった。まったく、この人は全然違うのだ。美しく、朴訥とした音楽である。何でもないような、しかし真に大事そうに音色と残響に心を配る彼を、自分は幸せな面持で眺めていた。素晴らしい始まりであった。

さすらい人幻想曲については、若い人が元気よく瞬発性の魅力を発揮すれば、それなりに形になることも多いと思うのだが、むろんスコダの演奏はそういう性質のものではない。パワーは、それはもう、圧倒的に足りないのだが、そもそもそんなものをこの人に期待していない。この曲のもっと違う側面が優しく現れてくる様に、自分は新鮮な気持ちで神妙に傾聴していた。しかし正直にいえば、恥ずかしながら若輩の自分にはにわかには到達できない、未知の魅力でもあった。いずれにせよ、この人に関しては、自分はむしろ聴く者としての客観性を失っているかもしれない。もっともそれは非常に幸福なことだと思う。

曲の骨格をとらえさえすれば、最も大切な音を適切に響かせさえすれば、曲の魅力は確実に観客に伝わり、聴く者はその素晴らしさを享受することができる。スコダは、そういうことを本当によく了解していて、そのように、大切な部分を丁寧に弾くことに懇切に心を配っている。そのことによって、時折、インテンポにならない、朴訥とした部分が生ずる。しかしこれがまた魅力でもある。

最後のソナタは、昨年の演奏が、自分にとって永久欠番的な位置に入っていたために、今回はどのようだろうかという余計な懸念が少しばかりあったが、それはもう易々と、第1楽章冒頭から呑みこまれてしまった。重ね重ね、この人は、全然違う。淡々とした、丁寧な、しかし趣のある音楽である。全楽章、固唾を呑んで傾聴していた。まったく飽きない。これはもう、何度でも聴きたい。
何がそれほど違うのか？ それを客観的に詳述できる日が来るとは思えないのだが。




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1st March


I haven't updated for quite a while...if there is an excuse, that would be the fact that I'm going to move to London this autumn to stay for up to five years, relating to the change concerns my research. Anyway for London is a musically perfected heaven, I am as excited as possible and I'm going to write about the concerts I would be attending as my great pleasure.


I've been to some impressive concerts these days but I definitely would love to write something about the recital of Paul Badura-Skoda.   I would never miss his recitals. This year he performed all Schubert pieces, at Tokyo Bunaka Kaikan.

He seemed that he was just into the music and achieving what he wanted to do right after he started touching the first key of that piece, Moments Musicaux D780.
He was beyond anything I knew. So gentle and tender, with absolute depth.   It sounds so corny when it's written...but it was just a perfect opening of the amazing night.

As for "Wanderer fantasie", I've personally had more than a few occasions to listen to the performances done by rather young soloists, using all their vernal strength and making the music very impressive and dynamic, which frequently was loved by the audience, definitely including me. Performance of Skoda's got nothing to do with such powerful impressions, however, that was not at all what I was expecting for him that night and, he just so light flew away over me and so naturally showed us the whole new different sides of this music.

He just knows inside out, that if you as a performer don't miss the most important keys or parts of the music and if you play them in most proper ways, then nothing really could disrupt diffusion of the core beauty of the music right into the audience. He was so delicately paying attention to the subtle tone changes of certain notes and the resonance, with extra care not to miss the most important keys. for Which, sometimes the music got a bit non a temp, but just after all adding charms to the music.

The Last Sonata, D960, being the one which I listened last year performed by himself and done in a so beautiful and impeccable way and so became the sort of final version of mine, I had this premature concern, that how the one he gives this year would come out. Off course, it turned out to be a really premature concern. I mostly can some how can find a language to explain my feelings and experience, but it was one of the times when I have just no words for it, just being so happy cherishing the moment. All I can say at this moment is that I could never get tired of him playing this piece. I can just depict how he made me felt, but never, again, never, what he did.

11月20日
ピエール・ロラン・エマールが近年展開している「コラージュ―モンタージュ」という実験的プログラムの日本公演である。トッパンホール。

このプログラムは、いくつかの完成された曲を順番に演奏するという通常のスタイルではない。一見して無関係の様々な楽曲の一部を組み合わせ、新たな曲として提示するという、全く独自の、全く新しい試みである。全てはエマールによって考案・構成されており、彼の解説付きで聴き進めることができる。

エマールによれば、これは定式ばかりのクラシック音楽会の固定的スタイルに対する、彼の挑戦であるという。実際、これは非常にパーソナルな演目だ。

公演は5つのパートから成っており、それぞれにおいて、エマールが抜粋した個々の曲の部分が並べられ、ソナタや、組曲のようなものを構成するようにできている。
例えば、第1曲のPrelude elementaireでは、リゲティ・バルトーク・シェーンベルク・再びバルトーク・ウェーベルン・ブーレーズの曲の一部が順に弾かれる。

この挑戦的なプログラム、ともすれば、難解なパズルをひも解かねばと、頭脳をフルに稼働させるべく妙に構えてしまうところであるが、実際は、全くもって心地の良い、ゆったりとして楽しい限りの音楽体験であった。

というのも、エマールの曲の選択とそのつなぎ合わせ方がとにかく天才的なのだ。それぞれの抜粋部分は、同音であるとか、和声的に調和するとか、類似した反復系であるとか、様々に見つけられたリンクを巧みにつなぎ合わせられて、違和感のない新たな曲として、それも美しい曲として、水の流れるように弾かれるのである。つなぎ部分は必ずしも明解ではない。

第2曲のSostenutoでは、クルタークやムソルグスキー、スクリャービン、ヤナーチェク、ベートーベン、ストロッパによる8曲からの抜粋の連続であるが、この頃には、自分は、エマールの意図に合点がいき、深く賛同するに至っていた。この曲は、それぞれの構成部分は元来全く関係のない音楽のはずであるのに、エマールの奇跡的な音楽的洞察力によって、違和感なく並べられ、全体として、ソナタのように、序・急・緩・急という流れを持っていた。
これが、ひたすらに気持ちがいい。というのも、ソナタのようであるが、実際は別の曲からの抜粋によって構成されているため、文字通りの再現部というのは現れないのである。魅力的な曲の魅力的な部分が、エマールの最高の技術によって奏でられ、その旋律の緊張がマックスに達したところで、次の別の旋律へとつながれるわけである。そして、全体としての調和を保ちつつ、ソナタ構造による自然な感情の高揚を感ずることができる。
つまり、観客は、何も考えず、初めて聴く曲の流れに身を任せていればよいのであり、それがエマールによって美しく奏でられるのにうっとりとしていればよいのである。
これは、何よりも、即興の演奏に似ている。厳密な繰り返しのない、流動しひたすらに感情を刺激する音楽。
もっとも、それは、エマールが熟慮の末、緻密に構成した結果なのであるが。
これは楽しい。実に楽しい。

第3曲は、シュトックハウゼンとシューベルトの曲を、交互に12曲並べるというもの。ここは、無調と調性の音楽が完全に交互に並べられるため、よりタペストリー的な、それこそ、コラージュの態があった。プログラム中、もっとも実験的なのはこの部分だっただろう。しかしここでも、同音や同型の音や旋律が巧みにリンクになって、刺激的かつ違和感のない音楽の連続が魅力的で、緊張の糸を切らすことなく、大変わくわくしながら音楽に身を任せることができた。また、エマールの異常に巧いシュトックハウゼンにいちいち聴き惚れる。

第4曲のCapriccioは、ベートーベン・ケージ・シューマン・スカルラッティ・シュトックハウゼンの8曲の抜粋という、これまた斬新な構成。ケージの「7つの俳諧」とシューマンの謝肉祭の「喋喋」をつなげる妙。ここはファニーでシニカルな印象を残す。（エマール自身、このリンクは「聴き逃さないで」と強調していた。）かなり短い抜粋の連続であり、目まぐるしくも楽しく、少しファニーな音楽になっている。やはり、即興の音楽のようだ。

最後のCloches d'Adieuも、かなり短くい断片の抜粋の連続で、ミュライユ・シェーンベルク・クルターク・メシアン・ラヴェルから、最後のムソルグスキー（展覧会の絵、キエフの大門）へと向かう。
この頃にはすっかり楽しくなって、エマールがどんなつなぎ方をしてくるのか心待ちで仕方がなくなっていた。

なんというのか。既存の曲の抜粋から構成され、クラシック音楽の重要な特徴の一つであろう、厳密な「繰り返し」のない音楽、しかし全体的にそこはかとない様式は保つという、新鮮な音楽である。現代曲が、自然に旧き曲群に混じり合って、その硬質さを際立たせて、新たな様相を見せる。こんなことができるのは、その音楽的構造を知り尽くしたエマールならではなのだろう。一体、これらの曲の選択とつなぎ合わせる作業に、どれくらいの時間をかけたんだろうか。そしてそれはもう、ほとんど作曲といえると思うのだが。しかしおそらく、非常に楽しい作業だっただろう。
全く飽きるということのない、ひたすらに気持ちの良い音楽界であった。あっという間に終わってしまった。自分は、ぜひとも再びこのエマールのコラージュ式を拝聴したい。これ、定番にすればいいんじゃないかと刹那に思ったのだが、それではダメなわけである。定番でないところがまさにエマールの意図なのだ。


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20th November

Collage-Montage is an utterly innovative style of programme, in which extracts from a dozens of existing pieces composed by different authors in different times, get shuffled, pasted, and hooked up, all selected and organized by Pierre-Laurent Aimard himself. These collages of extracts as a whole compose in each a sort of sonata or suite.

Aimard also commented a lot　on the stage, starting with the remark that this was projected in his defiance to the entrenched conservative formulations in classical music concerts, in which the same old pieces are performed over and over. Indeed, the performance can be characterized as rather personal and with ideals.
But it is solely in a good sense when I say this. Actually, this rather daunting project turned out be a sheer fun,so enchanting and delightful.

This was due to more than anything his genius in selecting the extracts of the pieces and finding the connection between them. For an instance, the second piece was composed of the extracts from the pieces of Kurtag, Mussorgsky, Scriabin, Janacek, Kurtag again, Beethoven, Kurtag once more, and finally Stroppa. Can you ever imagine how they can be jointed so seamlessly and so naturally...it was amazing and utterly beautiful.
What was outstanding about that music was that it seemed like in a sonata form, but there was no recapitulation in a strict sense. It was after all made of extracts from different pieces. It was just a sequence of beautiful music that is always changing but under the faint shape of sonata. It was simply s beautiful, flowing, and emotional music. It was more than anything close to the music of improvisation. It's an irony that that was actually a result of deeply thought selection of pieces and organization conducted by Aimard.

All through the night I was so excited to find the way Aimard found connections between the originally unrelated pieces and married them in so beautiful, unexpected ways.
It surely was a new, challenging programme, but in my opinion, was a absolutely a successful one. I really would like to listen to him doing collage again, but you know, I also think that's exactly what he would hate. Formulation was precisely what he was against.

11月15日、トッパンホール。

曲目は、ブリテンの無伴奏組曲を3つ全てである。
ウィスペルウェイは非常に朗らかな人物で、この日は、それぞれの組曲の演奏前に、ユーモアたっぷりに曲の説明をしてくれた。それも、曲の冒頭部分を弾きながら構成を説明してくれるのである。
そうして観客に物語の流れを一通り印象付けてから、演奏を始めるというスタイルである。

組曲の構成だけなく、技術的に面白い部分、そして何よりも、この音楽の物語性という特徴を強調していたように思われた。

第1番はまず、4度繰り返されるカントを除き、6つの小曲の冒頭を弾いて説明する。
どの楽章も間断なく続けて弾かれる。
マーチは、笛と太鼓の音が模倣される。
ボルドーネへ向かって、4声が、開放弦のDに収集していく。この通奏的部分は3分続く。
もっとも、この通奏は静かなままではなく、不穏な「事件」が起きていく、など。

そして、実際の演奏。この人はブリテンにこだわって、何度も録音しているということもあって、確信に満ちた演奏である。何とも、歯切れのよい口調である。抒情性と緊張の連続を、たっぷりと休符をとりながら語っていく。
もっとも、ウィスペルウェイは、音楽に耽溺することなく、ある種鷹揚とした、良い意味での客観性を保っていた。
ブリテンの緻密な物語の語り部としての、第3者的な視線というのだろうか。
その結果、非常に色彩豊かな、輪郭のはっきりした音楽が立ち上がってきた。新鮮な思いである。素晴らしい。
幻想的な主題に帰るたびに、音楽に吸引されるような魅惑的な力があった。

第2番の前に彼が述べたのは、
フーガは、主題を2度は繰り返しても、3度目は必ず新しい旋律が入る。
スケルツォは、ひたすら粗野に弾くところ。僕の粗野をお楽しみに。
アンダンテは、主題に休符が多いため、「実用的」。合間合間に他の声部を組み込むことができる。
シャコンヌは、主題を小・大・小と大きさを変えながら24の変奏を行う、一連の過程を楽しむことができる。

ここでもやはり、鮮やかな物語が眼前に広がる。ほとんど手で触れることができるのではないかと錯覚するほどの、音楽の実在感である。一部の隙もない、考え尽くされ、完成された演奏である。

第3番は、
バルカローラは、観光シーズンのベニスというよりは、「ベニスに死す」の世界。
ディアローゴは、2者は会話しないが、半ばで「ダンス」を始める。
フーガは、理知的なフーガではなく、かなりドラマチックなもの。
レチタチーヴォは、4つの曲の変奏から成る。もっとも、最初に顕われるのは変奏で、最後に、ようやく純粋な形の旋律が現れる。つまり、「純粋への旅」ということができる。

この第3番のころには、ブリテンの音楽の緻密さと幻惑性、息苦しいほどの緊張感に圧倒されていた。そして、実はそれが大変ドラマチックなストーリーの連続であるという驚きである。ウェスペルベイという人は、この超絶音楽の本質的属性をなんと上手く伝えることか。そして、彼は純粋への旅と形容したが、複雑で謎めいた旋律の連続であるにもかかわらず、組曲の何れにも、ある種の、一貫した清廉さのようなものを感得したのである。

総じて、ブリテンとこの無伴奏組曲を改めて好きになり、消化できないほどの音楽的満足を噛みしめることができた晩であった。


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15th November


Pieter Wispelwey has been always one my favorites, but it was the first time for me to listen him playing Britten's whole solo cello suites in a live performance.
It was held at the Toppan Hall, Tokyo.

He is a real friendly person, and gave the audience some comments and backgrounds concerning each suite respectively before starting performing, with great humor.
In which he portrayed the structures of the compositions, noting interesting places in the pieces in terms of the techniques or composition, and this was to our joy done with actual demonstration on the cello.
He seemed most keen on helping the audience to follow the story buried inside the music.

The demonstration he gave before the performance worked so effectively.
I never felt that this music was that vivid and tangible, realizing that this music was a series of stories, which are quite dramatic.
Everything in the music felt much clearer than ever, so colorful, and enchanting.

It is not, however, the result of his instructions solely, but also that of his interpretations.
He was playing these pieces quite powerfully, with convictions, but at the same time he kept his objective attitude towards the pieces all the time. Objectivity in a good sense, one you would have when you are telling stories which were written by a giant, and which you have passion for.  And of course that he was technically impeccable made the whole music so natural in a way, even though when it is a complex mass of mysterious notes and sounds.

After watching and listening to him depict those epical stories, I felt my love for this giant music much enhanced. What a great musician he is.

マネジメントに問い合わせたところ、ヘニング・クラッゲルードの東京デビューリサイタルは、２０１２年４月１７日に、武蔵野市民文化会館で行われるそうである。必聴。


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I inquired at the management office about the details concerning Henning Kraggerud's debut recital in Tokyo, and they instantly gave me the information, that the recital is going to be held on 17th April 2012, at the Musashino Civic Hall.
Hope I get a ticket.

９月２２日、オペラシティ。

アンスネスを聴くのは、去年末、リソールフェスティヴァル組のブラームスのカルテット以来である。
今日のプログラムは、ベートーベンのワルトシュタイン、ブラームスの４つのバラードop.10、そしてショパン名曲選。

ワルトシュタインは、２楽章辺りからのびのびと弾き始める。概してペダルを良く踏むが、濁ることがない。
アンスネスの身体のパワーがそのまま乗せらたような、フォルテの自然な重みは、素晴らしい。
技術的には全く隙がない。ペダルを良く踏むことと、さらりとした口調のために、品のあるワルトシュタインである。
もっとも、この曲の持つ、ある種非常に分かりやすいドラマチックさを十分に描出していたと思う。

今晩、とりわけ良かったのはブラームスである。ペダルの多さとしかし良くコントロ－ルされた残響、品のある情感が、ばっちりとハマって、じっくりと聴かせる美しさがあった。

後半のショパンは、バラード３番に始まり、ワルツの13・7・11・5番、ノクターン17番、最後にバラード1番という、ショパンファン垂涎の名曲選である。
アンスネスはここでも、ほぼ始終、ペダルを踏む。私見では、ショパンの、特にワルツやノクターンの魅力の一つは、流麗さの中にも、土埃調の素朴さが混じり、郷愁の念を誘うところである。ほとんどペダルを踏んでいては、逆に音色を変化させるのが困難であるし、若干、美しすぎるきらいがある。ワルツについては、アンスネスはやはり美麗に弾いていたが、むしろマズルカのリズムで土臭く弾くと、より、ショパンの高音の水晶的キラキラが引き立つというものである。これは、ノクターン１７番の、この曲の命であるトリルも同様だ。もっと、訥々としていいのだ。
バラード１番は、展開部が超速スピードで、曲想の変化を重ねるというよりは、大きな流れの中に、ざっくりと展開部を位置づけ、突き進むように弾いていた。コーダは、かつて聴いたことがないほどに速い。アンスネスの技術は完ぺきだが、ペダルを踏み続けたこともあって、ここでは唯一濁りがあり、魅惑的な裏のテンポとジャジーな歯切れが希薄であった。

もっとも、概して、決してつまらなくはないのだ。非常に巧いし、気品があって、よく練られた緻密さがある。何より、観客を引き込む、独特のパワーと魅力がある。これが、とりわけ欧州では、アンスネスが大人気である要因であるように思われる。
自分も、また聴きに行こう、と動機づけられるところのものだ。

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22th September


There is a sort of a contrast between the reception of Leif Ove Andsnes in Europa and that in Japan.　 He is a huge star out there, but here in Japan he is not that famed, although very much loved by the music lovers.　 Maybe it's the difference in the marketing process, or he just does not appear so much in the media here.
Anyway, what makes him special I guess is a certain quality he's got, a power to draw the audience into the music he creates, and thus enchant them.

I saw that quality once again, tonight.
The programe included Beethoven's Waldstein, Brahms' 4 Ballades op.10, and Chopin's pieces.

He was almost all the time using the pedal. In most cases, he well controlled the resonance, making the music so elegant and classy.  Only occasionally, the pedal I thought was over-used, especially, in Chopin's pieces.
It is always my belief, that one of the amazing charms in the Chopin's music is the mixture of the elegance and the earthy simplicity.  If you press the keys in, say, a Waltz or a Nocturne, without using the pedal in right times, it would only make the crystal high notes, which Chopin put here and there, more stand out and highlighted.   The changes in the note and tone is a key.

His peddling fit the Brahms, however.  He performed this piece so elegantly but eloquently.
It was beautiful.

Again, above all, he's got this god-given quality to attract and engage the audience.   This typically evokes a feeling of a must-visit-again.   It perfectly worked on me tonight.